Истоки Пермской художественной галереи уходят в 1890 год, когда в Перми по инициативе и на средства горожан был создан научно-промышленный музей, при котором в 1902 году открылся художественный отдел.
К собиранию коллекции живописи подтолкнуло письмо председателя совета Пермского научно-промышленного музея, доктора медицины П. Н. Серебренникова, который через столичные газеты обратился к пермякам и учреждениям с просьбой внести свою лепту в создание отдела искусств.
Первым откликнулся Императорский фарфоровый завод, прислав в Пермь свои изделия. Императорская Академия художеств подарила музею 24 гравюры русских художников. Свои картины передали в дар землякам художники братья Сведомские и живописцы Василий и Петр Верещагины.
В 1922 году художественный музей получил самостоятельный статус. Еще десять лет он квартировал на площадях Архиерейского дома, а в 1932 году прописался в Спасо-Преображенском соборе, где и находится по сей день. Особенностью пермской коллекции являются исторически значимые находки музейщиков, которые составили существенную часть фондов. Первые руководители музея – А. К. Сыропятов и Н. Н. Серебренников, под руководством выдающегося искусствоведа Игоря Грабаря, автора первого академического издания «История русского искусства» (12+) в трех томах, предприняли шесть экспедиций по территории Прикамья. Из поездок они привезли 248 деревянных скульптур, художественное шитье XVI века и многое другое.
В 1925 году в залах галереи была выстроена первая экспозиция Пермской деревянной скульптуры. Свое нынешнее название «Пермская художественная галерея» получила в 1936 году. В военные годы был издан первый каталог коллекции живописи, графики и скульптуры.
В постсоветский период галерея активно взаимодействовала с частными коллекционерами, получила немало ценных даров. В конеце прошлого века заговорили о переезде крупнейшего художественного музея Урала в более просторное помещение. На сегодняшний день коллекция галереи включает 51 тысячу экспонатов. Новое здание позволит показать большее количество произведений искусства. Каждый год по залам галереи проходило около двухсот тысяч зрителей. Поток посетителей в последние месяцы возрос – пермяки приходят попрощаться со ставшими привычными залами галереи.
Возникновению уникальной коллекции храмовой скульптуры мы обязаны увлеченности ее собирателя Николая Николаевича Серебренникова. До 1920-х не существовало системного подхода к русской культовой скульптуре из дерева, были лишь единичные упоминания. К тому же объемные изображения святых были запрещены в 1722 году, эта традиция считалась языческой. Однако сельские священники Пермской губернии предпочли мириться с присутствием в глубине церквей скульптур, которые были убедительны и сакральны для паствы. Выразительность изваяний говорила о глубинном понимании безымянными художниками идей христианства.
Впервые увидев несколько таких скульптур, Серебренников заинтересовался этим явлением и всю свою жизнь потратил на его изучение. Он считается его первооткрывателем и основателем знаменитой коллекции пермской деревянной скульптуры. Одной из первых находок организованной им экспедиции стала скульптура XVII века «Распятие» из Соликамска. Фигура распятого Христа сохранилась без креста и найдена в кладбищенской часовне Жен Мироносиц. Николай Николаевич считал, что скульптура «Распятого» по своим художественным достижениям совершенно исключительна, отмечал четкость ее линейных очертаний, выраженную ритмичность композиции, плавную и простую обработку рельефов, необычайную правдивость, а также умелую раскраску.
Серебренников был автором первого искусствоведческого исследования деревянной скульптуры, которая получила название «пермской», книга была издана в 1928 году. А также он выступил организатором первой выставки народного искусства, которая проходила под атеистическими лозунгами. Выставка открылась в 1924 году в кинотеатре «Колибри». Сам народный комиссар по просвещению РСФСР Анатолий Луначарский, посетив экспозицию, официально признал «пермских богов» потрясающим явлением, что позволило в дальнейшем сохранить храмовую скульптуру и исследовать ее. Среди экспонатов был и «Никола Можайский» из села Покча Чердынского района.
Статуя является одним из самых ранних изображений и датируется серединой ХVIII века, автор неизвестен. Изваяние представляет святого в человеческий рост. Пропорции фигуры удлинены, большая голова вытянута, обращает на себя внимание необычно высокий лоб, выделяются огромные темные глаза. Этот святой считается защитником русских городов, поэтому он держит в правой руке меч, а в левой руке град – макет храма. Никола Можайский предстает скорее мудрым и грозным старцем, а не воином. То есть защищает русскую землю скорее силой духа, что и подчеркивается формой головы.
Деревянную скульптуру делали из сосны и липы, обрабатывали с помощью топора и ножа, употребляли также тесла, долота, стамески, буравы. Следуя традициям иконописи, сначала наносился левкас (меловой грунт), роспись производилась яичной темперой, ее часто дополняли позолотой и серебрением. В XIX веке скульптуры начали расписывать масляными красками. Главным достижением Пермской художественной галереи и его сотрудников стало то, что они смогли сохранить деревянную скульптуру от воинствующего атеизма, переведя культовые статуи в разряд искусства.
Один из лучших образцов иконописи Строгановской школы хранится в пермской галерее с 1920-х годов. Строгановы стали владельцами пермских земель в 1558 году, сюда они пришли с Русского Севера, из Сольвычегодска. Заведя солеварни, занимаясь обустройством владений, они не забывали о духовном сопровождении. Так сформировалось направление, которое называют «Строгановской школой». При Пыскорском монастыре была основана иконописная мастерская, мастера работали и в Орле-городке, ставшем центром их земель. Там находилось одно из самых больших собраний «Строгановских икон». Отсюда, из церкви Похвалы Богородицы в ходе экспедиции 1925 года было вывезено – читай, сохранено – 20 различных образов.
Икона Богоматери Владимирской была на Руси военной святыней. Она написана самым известным московским автором Истомой Савиным по заказу Н. Г. Строганова и отражает историю русских земель, изображенную в клеймах. Клеймами называют размещенные по периметру главного образа сюжеты, которые читаются по часовой стрелке. На 18 клеймах иконы представлена хроника нашествия на Русь татарского войска 1395 года. Мы видим и татарский стан, и моление в Успенском соборе московского Кремля, и бегство войска Тамерлана после того, как ему явилась во сне Богоматерь Владимирская.
Применение черного фона и яркого многоцветия превращает клейма в некую драгоценную орнаментальную раму. Этот шедевр иконописи – не только ценный духовный и художественный экспонат, но и уникальная хроника истории Руси, представляющая идею объединения русских земель перед лицом внешнего врага под знаменами православия.
Василий Андреевич Тропинин (1776–1857) – великий русский художник, мастер реалистического и романтического портрета. Один из них – портрет Фёдора Петровича Крашенинникова (1806–1887), коллежского советника, старшего столоначальника в департаменте податей и сборов. Он написан Тропининым в 1824 году, когда он создавал так называемую «халатную» серию портретов. Через домашний костюм персонажа живописец утверждает ценность личности, а не его чина.
Неофициальная бытовая обстановка отнюдь не приземляет героя – перед нами романтическое восприятие молодого человека, полного энергии. В образе Крашенинникова есть свойственная большинству портретов Тропинина открытость, доброжелательность. Художник говорил: «Кто же любит в жизни смотреть на сердитые, пасмурные лица? Пусть видят и помнят счастливую эпоху жизни». Не исключено, что поводом для написания портрета стала любовная история персонажа. Фёдор Крашенинников «как-то сворковался со смирной вдовушкой Катенькой Глинкой», они полюбили друг друга не на шутку. Он, будучи человеком с хорошим состоянием, посватался. Но ему было отказано под предлогом корыстности сватовства. Фёдор Петрович в ужасе подал в отставку и уехал в свою деревню Грушино.
Впоследствии все разрешилось благополучно, любящие сердца соединились. Интересно и то, что уже в советское время в пермскую галерею пришло письмо от Надежды Крашенинниковой-Куперник, правнучки героя портрета, которая стала искусствоведом, изучала творчество Тропиниина.
Эта картина, пожалуй, самое запоминающееся полотно пермской галереи, впечатляющее и своими размерами (более чем полтора на два метра) и обнаженными женскими телами. Фёдор Андреевич Бронников (1827–1902) – наш земляк, он родился в Шадринске, тогда городе Пермской губернии. Сейчас местная художественная школа, которой Бронниковым были завещаны средства, носит его имя.
Окончив Академию художеств с золотой медалью, он был награжден пансионерской поездкой в Италию, где писал портреты состоятельных итальянцев. Полотно «Римские бани» отражает увлечение художника идеализированной красотой древнего мира. Современники считали подобные картины наполненными «игровым и несколько скоромным содержанием». С точки зрения сегодняшнего зрителя, полотно – образец целомудрия, обнаженная женская фигура в центре – скорее эстетический образец античной красоты.
Картина Бронникова участвовала во многих престижных выставках – в Академии художеств в Петербурге и во Всемирной выставке в Филадельфии в 1876 году. В Пермь «Римские бани» поступили из собрании известного московского коллекционера и старообрядца К. Т. Солдатенкова. Через Государственный Музейный фонд она была передана ПГХГ в 1927 году. С тех пор началась публичная жизнь этого полотна. Пермяки посещают галерею еще в школьном возрасте, и конечно, картина Бронникова вызывает у них яркие эмоции. Бронников завещал свои работы русским музеям, но большое количество его картин находится в частных коллекциях Англии, Америки, Венгрии, Италии и Дании.
Картина Алексея Саврасова «Весна. Огороды» написана в 1893 году и является одним из последних произведений художника. Алексей Кондратьевич Саврасов (1830–1897) – академик Императорской Академии художеств, автор культового пейзажа «Грачи прилетели», появление которого рассматривается как важный этап в развитии русской пейзажной живописи. Написанное в 1871 году полотно активно экспонировалось, получило высокую оценку критики и было куплено Павлом Третьяковым. В советский период она вошла в школьные учебники.
Картина «Весна. Огороды» из собрания ПГХГ также отличается пронзительной русской тоской и предчувствием светлого будущего, по мнению экспертов она даже более живописна, чем легендарные «Грачи». Тонкой игрой оттенками серого цвета Саврасов сумел передать в пейзаже не только свое собственное довольно мрачное состояние, но и надежды – о них говорят небольшие синие проблески на небосводе.
Ученик Саврасова, И. Левитан, так написал о своем учителе: «Начиная только с Саврасова появилась лирика в живописи пейзажа и безграничная любовь к своей родной земле, и эта его несомненная заслуга никогда не будет забыта в области русского художества». Картина поступила в Пермь из частных коллекций через Государственный музейный фонд. И теперь один из лучших русских пейзажей принадлежит пермякам.
Илья Ефимович Репин (1844–1930) – самый значительный художник России рубежа XIX–XX веков. Его влияние распространялось не только на живопись, но и на всю русскую культуру. Известность мастеру принесли картины на исторические сюжеты, в которых убедительно запечатлены черты русского характера и быта. Запорожские казаки, Иван Грозный, бурлаки, писатели и поэты – все эти персонажи Репина известны каждому со школьной скамьи.
В Пермской художественной галерее представлены четыре картины Репина. Одна из них – «Выбор царской невесты» – написана в промежуток между 1884 и 1887 годами в качестве эскиза к будущему так и не написанному историческому полотну. Это – полноценная зарисовка одного из моментов жизни русских царей, для которых выбор супруги имел основополагающее и даже государственное значение. Хотя и красота девушек была важна, так как считалась синонимом крепкого здоровья.
Сюжетная картине 65х101 см изображает смотрины невест, которые были распространены на Руси. Художник задумал полотно как остросюжетную драму борьбы именитых фамилий за власть и политическое влияние. Обращают на себя внимание образы невест и их характеры, в передаче этих черт Репину не было равных. Известный московский коллекционер
И. Е. Цветков приобрел этот эскиз для своей коллекции, в 1909 году меценат передал коллекцию из 300 картин и 1200 рисунков вместе с домом на Пречистенской набережной в дар городу Москве. Картина Репина попала в ПГХГ в 1926 году через Государственный музейный фонд.
Одна из самых красочных картин в залах пермской галереи принадлежит кисти Абрама Архипова (1862–1930) – русского художника, передвижника, одного из учредителей «Союза русских художников». Он вошел в историю отечественной живописи как обладатель тонкого и поэтического таланта, посвятившего себя крестьянской теме. Он и сам выходец из глухого селения Рязанской губернии, фамилия при рождении – Пыриков.
В 1910–1920-е годы он перестал ориентироваться на изобличение пороков общества, так характерные для передвижников, вырабатывая новый живописный язык. Его работы приобретают оптимистичную праздничность, особенно этим отличается цикл портретов крестьянок. Они изображаются как сильные, уверенные, жизнерадостные, красивые женщины, одетые в национальные яркие одежды. К этому циклу относится и картина «Баба». Широкий густой мазок, контрастное сопоставление тонов, насыщенность цвета создают образ молодой женщины как олицетворение народной поговорки «кровь с молоком».
Художник передает праздничную сторону народного быта, его картины как бы звучат в мажоре. Портреты русских крестьянок принесли Архипову мировую известность, за них дают огромные суммы на крупнейших художественных аукционах.
Эта картина из собрания галереи входит в топ-10 работ представителя авангардной школы русской живописи. Популярность портрета такова, что школьники шестого класса пишут сочинения по этому произведению. Без всяких сомнений «Потрет мальчика» Кузьмы Сергеевича Петрова-Водкина (1878–1939) принадлежит к золотому фонду Пермской художественной галереи.
Начало серии детских портретов живописца положило знаменитое полотно «Купание красного коня», созданное в 1912 г. Через год художник написал «Портрет мальчика», а после него создаст еще множество образов детей и подростков, воспевая красоту и непорочность юности. Говоря о портрете, искусствоведы замечают, что с первого взгляда ясно, что перед нами русский персонаж и никакой другой, отмечая умение Петрова-Водкина передать «русскость».
Герою картины 14-15 лет, чередование красных и бежевых тонов делают лицо мальчика как бы вылепленным из воска. Подчеркнуты высокие скулы, выпяченный подбородок, наморщенный лоб, ресницы художник рисовать не стал. Взгляд персонажа направлен вглубь себя, это делает портрет родственным иконописной традиции, которую художник кропотливо изучал.
Работы Натальи Гончаровой продаются на мировых аукционах за рекордные суммы. Картина «Испанка» ушла с молотка аукционного дома «Кристи» за 6,5 млн фунтов стерлингов. Самое дорогое полотно, созданное женщиной-художником, «Цветы» тоже написано Н. Гончаровой. В 2008 году его цена достигла $10,9 млн. Как и картина «Лучистые лилии» она создана в редком направлении художественного авангарда – «лучизме».
Вместе с мужем, художником Михаилом Ларионовым, Гончарова является автором концепции «лучизма». Художники изображали предметы цветными ломанными линиями. Вслед за популярными научными открытиями того времени, они попытались воплотить мысль о том, что восприятие человеком всего видимого – это «сумма лучей, идущих от источника света, отраженных от предмета и попавших в поле нашего зрения».
Картине «Лучистые лилии» Натальи Гончаровой в этом году исполняется 110 лет, за это время она успела принять участие в нескольких выставках, в том числе и за рубежом. А попала она сюда после революции, когда за организацию музеев взялось государство. В частности, был организован Музей новой живописной культуры, в него попадали и работы русских авангардистов, в том числе и эта.
Когда в 30-е годы идеологические установки изменились, музей расформировали, часть произведений отправили в провинцию, в частности картина Гончаровой попала в Свердловск. Директор пермской галереи Николай Серебренников обменял картины художников-передвижников на работы авангардистов, желая наиболее полно представить историю русского искусства.
Все фото предоставлены пресс-службой ПГХП
Автор: Варвара Кальпиди